¿Cómo las innovaciones en el arte unificaron las culturas?

Con la excepción de Da Vinci y los artistas del renacimiento, los artistas no han estado a la vanguardia de la innovación. El arte tiene una larga historia de alinearse con los movimientos sociales y políticos, en lugar de la innovación o la tecnología, aunque su participación no es mutuamente excluyente.

Más que nada, la innovación en el arte ha sido un producto del comercio y la tolerancia entre culturas más que a la inversa, por ejemplo, la guitarra clásica.

La guitarra clásica tiene sus raíces en la música y el arte árabe a pesar del hecho de que con frecuencia se la cita como indígena de España. Esta innovación solo se produjo después del dominio islámico de España. La asimilación del arte y la música árabe dio como resultado la guitarra clásica solo después del hecho.

La historia registrada de la guitarra comienza en el Renacimiento, con las primeras fuentes escritas que datan del siglo XIV. La guitarra surgió en Europa junto con las tradiciones musicales que surgieron del mundo árabe, entre instrumentos como el laúd y el violín. Johannes Tinctoris, escribiendo en el siglo XV, identifica a Cataluña como el lugar de nacimiento de la guitarra, pero independientemente del origen del instrumento, el país de España ha tenido un impacto extraordinario en su desarrollo. […]

El músico y autor Gaspar Sanz, escribiendo en 1674, describe cómo los franceses e italianos imitaron los instrumentos españoles, agregando un quinto curso y usando el término guitarra española para diferenciar sus instrumentos de las guitarras contemporáneas de cuatro tiempos. Incluso los propietarios originales de la guitarra barroca veneciana de Matteo Sellas (1990.103) pueden haberla llamado una spagnola chitarra . De hecho, esta es la historia repetitiva de la guitarra española: las innovaciones de los virtuosos músicos y artesanos ingeniosos de España se dispersan para cautivar y transformar las tradiciones de guitarra en todo el mundo.

La guitarra española | Ensayo | Cronología de Heilbrunn de la historia del arte | El Museo Metropolitano de Arte

La falta de innovación y explotación del sensacionalismo por el arte ha sido abordada por muchos críticos de arte y es algo que muchos en el mundo del arte ahora intentan cambiar en el futuro.

Como tal, el arte ha tenido un enorme poder para desalojar viejos valores, creencias y actitudes a través de imágenes vívidas al contar historias que provocan pensamientos. Como dice el viejo adagio “¡Una imagen vale más que mil palabras!”

Mientras asistía a LA Art Show, 2015, caminé por el piso durante una tarde disfrutando del maravilloso arte de todo el mundo. Hubo artistas de Corea del Sur, China, África, Europa y América del Norte. Mientras estuve allí, grabé la innovación general de las obras de arte de las galerías, según la novedad de las ideas y si incorporaban nuevas prácticas.

Las piezas de arte que fueron desarrollos incrementales del arte existente, representaron el ochenta por ciento de las ciento treinta y siete exposiciones visitadas. Esto está en el estadio del nivel de innovación incremental que se encuentra en el diseño de nuevos productos. Piense en términos del próximo teléfono inteligente, camioneta o aspiradora. De las miles de piezas de arte que disfruté viendo, ninguna fue un avance, lo que significa una idea novedosa y una nueva práctica.

Algunas implementaron nuevas tecnologías, como pantallas planas cubiertas de pintura, que proporcionan una yuxtaposición de imágenes en movimiento realistas y expresiones artísticas abstractas. Otros artistas introdujeron la nueva corriente del terrorismo en sus pinturas; algo que no he notado durante los últimos cinco años del espectáculo.

El más innovador fue un artista asiático que exhibió dulces de plástico moldeados por soplado de gran tamaño especialmente fabricados en masa. Por la reacción de los visitantes: fue un gran éxito con los niños y también con el niño dentro del resto de nosotros, pero para los críticos de arte, tal vez no tanto.

El arte, con su costo de fabricación relativamente bajo, representa una vía obvia para experimentar con ideas y prácticas innovadoras innovadoras, sin embargo, está lejos de ser una ocurrencia común. Sin embargo, la tendencia en el arte principal parece ser la explotación o el sensacionalismo para llamar la atención, impactando, ofendendo o asqueando al público en general. Piense en la obra de arte “Piss Christ” de Andres Serrano, “Diamond Skull” de Damien Hirst y “Made in Heaven” de Jeff Koons.

Lo que “Bull’s Head” hizo por el arte hace 70 años puede haber tenido, a sabiendas o inconscientemente, se basó en el mismo sensacionalismo que el arte sensacionalista de hoy, sin embargo, el nivel de innovación fue un orden de magnitud más alto.

Los diseñadores de hoy en día, de todas las tendencias, que anhelan hacer algo más que regurgitar ideas viejas y cansadas, pueden estar mejor atendidos si buscan fuera de la escena del arte sus próximas ideas devastadoras. Quizás incluso podrían abrir su conciencia a la posibilidad de canalizar la próxima innovación de vanguardia ellos mismos.

¿Es el arte innovador un oxímoron?